Juxtaposition en photographie | 26 exemples pour inspirer votre photographie

Le mot « juxtaposition » a longtemps dominé les catalogues d’exposition et les déclarations d’artistes, utilisé par tous, des architectes aux peintres, mais certaines des plus grandes tendances actuelles de la photographie grand public tournent également autour du thème de la juxtaposition.

Des perspectives forcées de personnes « tenant » le soleil ou la lune aux photos de paysage de « petites personnes dans de grands endroits » aux portraits à double prise réalisés à l’aide de miroirs, certains des motifs les plus populaires et les plus familiers sur les réseaux sociaux témoignent du pouvoir de la comparaison et le contraste en photographie.

En art, comme en littérature, la juxtaposition fait référence au placement côte à côte de deux ou plusieurs choses contrastées. Comme pour la couleur, la forme et le recadrage, la juxtaposition peut devenir un élément clé des compositions photographiques, aidant à raconter une histoire et à souligner les différences ou les similitudes entre les objets ou les personnes.

Dans sa forme la plus simple, la juxtaposition consiste à utiliser des comparaisons pour susciter des émotions, ce qui donne ce « ah ! » moment que tant d’entre nous recherchent en regardant des photographies. Cela se résume à l’élément de surprise – une «blague secrète» entre le photographe et le spectateur.

Au-delà de cela, la juxtaposition est un thème qui traverse les genres, de la photographie de rue aux paysages. Ci-dessous, nous allons jeter un œil à quelques exemples passionnants et inattendus de juxtaposition au sein de la communauté 500px.

Grand contre petit

L’une des utilisations les plus courantes de la juxtaposition est de donner une idée de l’échelle (par exemple, #tinypeopleinbigplaces). Le photographe de rue français Henri Cartier-Bresson l’a fait dans les années 1930 ; dans les rues vides de la Toscane, les jardins royaux de Paris, les escaliers des Cyclades, en Grèce, des figures humaines apparaissent aussi petites que des fourmis, éclipsées par les villes et les paysages qui les entourent.

Au cours des dernières années, ces juxtapositions grandes et petites ont parlé de notre préoccupation collective pour le monde naturel ; en montrant à quel point nous sommes petits par rapport à des paysages sauvages et intacts, les photographes peuvent faire appel à notre sens du respect et à notre désir de préserver ce qui reste de la planète.

Proche contre lointain

Celui-ci remonte à la tendance de la perspective forcée dont nous avons parlé plus tôt ; toute photo qui utilise la proximité pour faire apparaître un sujet plus grand ou plus petit qu’il ne l’est est un exemple de perspective forcée. Cela fonctionne particulièrement bien dans la photographie de rue, où votre position peut faire paraître une personne minuscule – et un chien ou un chat sembler énorme en comparaison.

De même, une perspective forcée peut faire croire à l’œil qu’un enfant est plus grand qu’un adulte. C’est une technique esthétique intelligente, mais elle peut également porter des couches de sens supplémentaires, indiquant quel élément est le plus important et digne de notre attention.

Clair contre foncé

Le célèbre photographe Elliott Erwitt est un maître en matière de juxtaposition, et son livre Chiens Chiens est un excellent exemple. Dans ses pages, vous trouverez plusieurs paires de chiens, attendant un taxi à New York, regardant par la fenêtre à la Nouvelle-Orléans ou traînant près d’un banc à Londres.

Erwitt joue beaucoup avec l’échelle, mais il expérimente aussi avec la couleur. Quelques-unes de ses images les plus puissantes présentent un chien blanc assis à côté d’un noir – et ce jeu sur la couleur est quelque chose que les photographes utilisent encore des décennies plus tard.

Bien sûr, vous pouvez également utiliser cette technique lorsque vous travaillez avec des humains en juxtaposant les cheveux clairs et foncés, les yeux marrons et bleus, etc. Les possibilités abondent avec celle-ci sont infinies.

Humain contre objet

Si vous avez lu sur la juxtaposition en photographie, il y a de fortes chances que vous ayez rencontré au moins une référence au portrait de Robert Doisneau de Picasso, dans lequel les mains de l’artiste ont été remplacées par des miches de pain.

Ces comparaisons entre le corps humain et les objets inanimés peuvent être subtiles et surréalistes, et elles ont également un coup de poing comique. Homme pastèque (ci-dessus) par Kishan Sri en Inde est un exemple parfait – et fortuit – de cette technique.

Droite contre gauche

Cette photo (ci-dessus) de Peter Nientied a plusieurs niveaux de juxtaposition, du thème lumière contre obscurité au motif homme contre objet, mais l’un des plus puissants se résume à la direction du regard du sujet. Alors que l’œuvre d’art qu’elle regarde fait face à une direction, elle se penche dans l’autre sens, ce qui en fait une composition convaincante.

Sujet versus environnement

Les juxtapositions en photographie peuvent être planifiées, mais tout aussi souvent, elles sont le produit d’une coïncidence. L’œuvre du photographe américain Stephen Shore, par exemple, est ponctuée de miraculeuses coïncidences quotidiennes où tout s’enchaîne : le pantalon vert d’une femme est assorti à la couleur de sa voiture, les tenues d’un couple font écho au bleu pâle d’un immeuble voisin, des sacs d’oignons sont presque de la même teinte orange que le camion derrière eux.

Bref, cherchez des parallèles entre votre sujet et le décor en général. Ceux-ci peuvent être des couleurs, des motifs, des formes ou tout ce qui précède. Vous pouvez les capturer spontanément et à la volée ou organiser une séance photo autour de votre idée.

Beaucoup contre peu

Le photographe Steve McCurry utilise beaucoup celle-ci dans ses compositions, montrant des groupes de personnes avec une personne légèrement différente des autres. Peut-être s’agit-il d’une personne en poudre Holi verte, entourée de celles en rouge, ou peut-être d’un seul pêcheur dans l’eau, juste à côté d’un groupe de ses pairs sur des échasses.

Pour les photographes, le motif plusieurs contre quelques-uns peut prendre différentes significations, selon le contexte. Vous pouvez l’utiliser pour explorer des thèmes tels que la conformité et la dissidence, l’unité et l’isolement, l’individualisme et la communauté, ou vous pouvez l’utiliser simplement parce que c’est un bel effet visuel.

Biologique versus artificiel

Selon les recherches, l’humanité a considérablement modifié les trois quarts des terres de notre planète et les deux tiers de nos océans. Alors que la destruction de l’habitat et la déforestation menacent nos ressources naturelles, les photos juxtaposant des éléments sauvages et organiques avec des éléments géométriques artificiels prennent une nouvelle signification.

Alors que les premiers photographes paysagistes comme Ansel Adams et Carlton Watkins ont capturé la majesté du monde naturel, les photographes d’aujourd’hui établissent également des comparaisons entre l’environnement bâti et la nature vierge.

Que ce soit par le biais d’images aériennes ou d’explorations urbaines, ils abordent les intersections inattendues entre deux mondes apparemment disparates, tout en indiquant des possibilités pour l’avenir de l’humanité (à la fois utopiques et dystopiques).

Juxtaposition dans l’expression faciale

La juxtaposition des visages peut être un outil puissant dans le portrait. Diane Arbus nous a appris que lorsqu’elle a photographié les jumelles Cathleen et Colleen Wade en 1967 ; ils peuvent être identiques, mais lorsqu’ils sont placés côte à côte, ce sont leurs différences qui ressortent. Colleen sourit. Cathleen ne l’est pas.

Dans cette image (ci-dessus), intitulée Ennuyé, la photographe Heather Wilson, qui a elle-même des jumeaux, fait quelque chose de similaire. Les garçons sont identiques et portent des chemises assorties, mais d’une manière ou d’une autre, c’est leur dissemblance plutôt que leur ressemblance qui attire notre attention.

Réalité contre photographie

Celui-ci est plus conceptuel, mais il est aussi intemporel. Avant la photographie, les peintres utilisaient le motif « peinture dans une peinture » pour explorer la ligne fine et floue qui sépare l’art de la vie. Un exemple clair se trouve dans l’œuvre du surréaliste René Magritte, où la frontière entre le réel et l’imaginaire tend à se chevaucher.

Parce que les photographies sont intrinsèquement réalistes, elles peuvent être utilisées de la même manière. Ce portrait de Marta Bevacqua juxtapose un vrai visage avec une photographie d’un visage, mais c’est là que ça se complique. Bien sûr, rien de tout cela n’est « réel » au sens essentiel ; le tout est une photographie et donc une illusion élaborée.

Passé contre présent

D’ici 2050, on prévoit que 66 % de la population mondiale vivra dans des zones urbaines. Les mégalopoles modernes peuvent servir de terrain de jeu et de muse pour les photographes, en partie parce qu’elles changent et se développent à un rythme aussi rapide.

Dans certains quartiers de villes comme Tokyo, Shanghai, Delhi ou Lagos, vous pouvez vous promener pendant des heures, en explorant le contraste entre l’ancien et le nouveau, sous la forme d’architecture, de traditions et d’activités. Alors qu’un élément peut transmettre un aspect particulier de la culture d’une ville, deux détails juxtaposés peuvent raconter l’histoire de son passé, de son présent et de son avenir.

Comme vous le remarquerez peut-être, même les juxtapositions les plus subtiles laissent souvent un impact durable. Parfois, il est utilisé comme une blague visuelle ou un jeu de mots, et parfois, il a un effet qui donne à réfléchir, comme dans le cas des photographies qui révèlent les disparités entre l’extrême richesse et la pauvreté.

Qu’elle suscite le plaisir, le choc ou la réflexion, la juxtaposition nous encourage à « regarder à deux fois », même lorsque nous sommes occupés à parcourir Internet. Dans notre monde de plus en plus rapide, cela semble plus important que jamais.

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